Retour de Cours | Varier les contextes de travail

 

 

Partie A

Travailler en confrontation directe avec les oeuvres d’un ou d’une artiste

Visite de l’exposition
Tomma Abst
à voir actuellement et jusqu’au 9 septembre
à la Galerie Serpentine Sackler

Exercice #1

> Parcourir l’exposition et transcrire en mots ou très courtes phrases les impressions et émotions ressenties.
> Faire de ces mots une compositions inspirée par un ou plusieurs tableaux de l’artiste.

Réflexion #1

Ce travail se veut une suite à l’exercice #6 rapporté ici .

Exercice #2

> Reprendre deux à trois objectifs d’apprentissage travaillés au cours des 8 rencontres précédentes et réaliser 2 à 3 travaux personnels en relation avec l’oeuvre de Tomma Arts.
> Se baser pour cela sur le résumé remis par écrit et présentant les différente étapes abordées dans la progression du cours insertYou 18/1.

        

     

Réflexion #2

Les exercices 1 et deux permettent de revenir sur des acquis, de les fortifier et de les approfondir. C’est la méthode pédagogique  dite « en spirale ».

 

 

 

Partie B

Travailler dans un cadre naturel : Hyde Park, non loin de l’installation en construction de Christo et Jeanne-Claude

Exercice #3

Approche intuitive de l’aquarelle

> Diviser la feuille en 12 espaces qui permettront à chaque étudiante de faire des recherches sur ce qu’offre la technique de l’aquarelle.
> Les 12 espaces peuvent être 12 carrés dessinés au crayon sur la feuille. Ils peuvent s’inspirer également du paysage qui sera reproduit rapidement en 12 plages dessinées au crayon.
> Observer comment le crayon de papier ou d’autres moyens graphiques se combinent avec l’aquarelle.

    

 

Réflexions #3

La caractéristique de l’aquarelle est la transparence des couches de couleur. Il faut apprendre à utiliser cette transparence et à en jouer.

 

Artistes en contre-point :
Christo
et son intervention marquante dans Hyde Park,
destinée à flotter sur la Serpentine.
Il reprend l’idée du mastaba qu’il avait projetée pour les Emirats Arabes.

Tomma Abts fascine pas sa capacité d’ajouter la 3e dimension dans des peintures à l’huile abstraites et plates. Christo (sa compagne Jeanne-Claude est décédée en 2009) travaille dans la 3e dimension et ses oeuvres plastiques changent complètement  d’aspect selon le point de vue du spectateur (son déplacement autour de l’objet), les conditions climatiques et l’heure du jour.
La photographie est un outil pour saisir et fixer en 2 dimensions les cadrages, lumières et couleurs intéressant le spectateur.

 

Pour en savoir davantage sur cette oeuvre qui suscite la polémique
rendez-vous à la projection suivie d’une discussion organisée le 22 juin.

MERCI de poursuivre, encore et toujours, vos recherches.

 

Christine Burkhard

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Retour de cours | Composition et perspective

 

 

Au programme de la prochaine rencontre

Découverte de l’exposition consacrée à l’artiste allemande
Tomma Abts
à la galerie Serpentine Sackler

Exercice #1

Découvrir ce que chaque étudiante réalise en utilisant exactement le même matériel et en respectant les mêmes consignes, mais à l’écart du regard des autres.

Matériel 
> Une petite table carrée blanche (Ikea) comme espace sur lequel doit tenir la composition
> La reproduction (A4) de l’oeuvre d’art choisie par chacune (voir retours de leçons précédentes)
> Les restes de papiers « structurés » réalisés par l’étudiante qui a choisi l’oeuvre en question.

Consignes
> L’exercice doit être reconduit autant de fois que le nombre de participants.
> La reproduction de l’oeuvre et tous les restes produits par une étudiante doit être utilisé. Il  n’a pas le droit d’être modifié autrement que par superposition des éléments.
> Chaque composition est photographiée 2x, avec une ouverture carrée de l’objectif : en cadrant exactement sur le bord de la table blanche + en cadrant un peu plus généreusement pour intégrer l’arrière-plan (tapis).
> Chaque composition est défaite après avoir été photographiée. La reproduction de l’oeuvre et tous les papiers sont remis en tas à la personne suivante qui doit faire à son tour l’exercice.

Par la suite chaque étudiante devine qui a fait quelle composition et motive son choix.

                                                                                                                                              

 

Exercice #2

Découvrir quelques règles élémentaires de la perspective classique.

>  Construire une architecture imaginaire en papier bristol blanc, et la placer sous plusieurs sources de lumière (spots du plafond).
> Fabriquer une fenêtre en bristol pour cadrer la partie de l’installation que l’on va dessiner au crayon.

> Reproduire les différents espaces (les différentes plages)  né(e)s des cartons pliés et des jeux de lumière.
> Prêter une grande attention aux proportions des différentes surfaces et aux directions des différentes frontières (fin de surfaces) quand on passe de la 3e à la 2e dimension.
> Recommencer plusieurs fois le même exercice sur la même feuille (en tournant par exemple sa feuille d’un quart de tour).

 

 

 

 

          

 

MERCI pour l’aiguisage de votre sens de l’observation

Christine

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Retour de cours | Le caractère d’une peinture

 

 

Exercice #1

Observer et critiquer les travaux entrepris au cours précédent.

Réflexions #1

> Les travaux (inspirés par Monet, Matisse et Dali) reproduisent chacun au moins un des trois signes plastiques recherchés : la ligne, la texture, la couleur.
> Le rendu de la couleur semble plus difficile à réaliser que les deux autre signes. C’est probablement dû à la technique imposée (les crayons-aquarelle), assez complexe, qui demande davantage d’exercice. On décide donc de poursuivre avec les craies grasses non solubles.

Exercice #2

Utiliser les papiers réalisés à la craie grasse et les appliquer selon une esthétique personnelle sur les plages délimitées par les lignes de construction de l’oeuvre observée.
Attention : chercher à replacer les textures et les couleurs en respectant le tableau observé est une erreur. Il faut se l’approprier.

  

Réflexions #2

Ce type d’exercice oblige à une observation plus attentive d’une oeuvre d’art. Se poser des questions sur le travail effectué par d’autres élargit le champ d’action personnel et donne des clés pour progresser dans l’expression plastique.
Le support du collage (papier blanc) peut apparaître par endroit et faire partie du projet.

 

 

     

Les images mobiles sont le moyen le plus efficace pour rendre comte d’un travail en cours.

Works in progress

 

Artiste en contre-point

Kardo Kosta

« See art » est une injonction qui convient particulièrement bien aux artistes rattachés au mouvement  Land Art.
Leur travail part de l’observation de la nature et se déploie au sein de la nature.
Les interventions de Kardo Kosta, artiste d’origine argentine installé en Suisse, sont souvent minimes. Il peut se contenter de mettre en évidence, en déplaçant ou en rapprochant des objets naturel, que l’art est avant tout un « art de voir »,
et que l’artiste est celui qui « sait faire voir ».

Les oeuvres proposées ici mettent chacune en évidence un signe plastique différent : la forme, la ligne, la texture.

Une impasse est le lieu de mes plus belles inspirations.

Milan Kundera, Risibles amours, 1968

En vérité le chemin importe peu, la volonté d’arriver mène à tout.

Albert Camus, Le Mythe de Sisyphe, 1947

 

MERCI pour votre persévérance

Christine Burkhard

 

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Retour de cours | Les textures 3

3e partie. Textures dans les arts, textures dans la nature

 

Voir également les deux premiers articles sur les textures, du 26 avril et du 4 mai

Exercice #1

Comparer les oeuvres d’art choisies par deux personnes et établir une hiérarchie des signes plastiques présents

         

Réflexions #1

Les danseurs de Matisse
Formes – Rythme – Couleurs – Contrastes – Composition confinée dans le cadre – en 2 dimensions

Les Nymphéas de Monet
Texture – Vibration – Transparence – Couleurs – Composition débordant du cadre – Formes – en 3 dimension

Le langage plastique, contrairement au langage écrit, n’est pas linéaire. Un tableau se « lit » de manière plus globale qu’un texte, De ce fait, hiérarchiser les signes plastiques utilisés par l’artiste est un exercice qui peut révéler la sensibilité de l’observateur. Suis-je attiré(e) en premier par la couleur ou les formes dans le tableau de Matisse ? Il est important de se rappeler qu’il n’existe pas de lecture neutre.

Le travail de Matisse est une étude pour réaliser un rideau de spectacle. L’artiste veut créer par des couleurs très contrastées une tension entre deux danseurs de forme très stylisés, et imprimer un rythme à l’ensemble. Les papiers de couleurs épinglés lui permettent de faire « bouger » son travail jusqu’à satisfaction.

Monet veut saisir la vie de la lumière, sans cesse changeante, selon la saison, l’heure et les conditions météo. Tout particulièrement dans ce qui bouge et est translucide comme de l’eau. Seule une touche bien visible peut décomposer en facettes miroitantes la vibration des couleurs. La texture du tableau est donc le signe plastique qui domine la série des nymphéas.

La première identité d’une oeuvre d’art est le médium utilisé 

  • Peinture
  • Dessin
  • Collage
  • Photographie
  • etc…

Matisse et Monet sont deux grands explorateurs du médium qui les fascine.

 

Deux artistes en contre-point

Zoltan Kemeny (1907-1956)

Banlieue des Anges – 1958 – Tate

 

Giuseppe Capogrossi (1900-1972)

Surface 210 – 1957 – Guggenheim

En 1949, Capogrossi tourne le dos à la peinture figurative et peint jusqu’à sa mort des tableaux composés de deux signes essentiellement – le premier ressemble à un peigne, le second à une fourchettes – dont il n’a jamais donné la moindre interprétation. Le titre des tableaux ne donne pas davantage d’indication sur la lecture à faire de ses oeuvres.

Exercice #2

Fabriquer de nouveaux papiers inspirés des textures que l’on décèle dans une oeuvre d’art choisie.
> Produire au moins deux feuilles, très différentes.
> Utiliser feutres noirs et crayons de couleur, permanents ou solubles.

 

 

 

 

Réflexions #2

Une part importante de la personnalité d’un artiste se révèle dans sa touche, comparable à une écriture. Comme l’écriture, une touche peut être étudiée, puis travaillée, afin de mieux la comprendre et de s’en servir.

La texture d’une oeuvre n’est pas la même selon la distance à laquelle on l’observe. Et la distance à laquelle on observe une oeuvre varie en fonction de sa grandeur.

S’approcher de la toile permet de découvrir des textures très variées, qui peuvent être des accroches à notre propre créativité.

 

 

Exercice #3

Appliquer les notions abordées en cours en réalisant l’esquisse d’un paysage observé

N.B. Seules dix minutes sont accordées à cet exercice

> Choisir le paysage que l’on souhaite reproduire. Bien le « cadrer ».
> Observer l’ensemble attentivement pour définir trois lignes principales et 4 à 6 lignes secondaires.
> Tracer ces lignes au feutre noir.
> Photographier de nombreuses textures observables dans ce paysage (entre 10 et 20).

 

 

Que voit chacune ?

 

 

 

 

Elles si elles voyaient des papillons et des losanges ?

 

MERCI d’explorer des sentiers nouveaux. 

 

Christine Burkhard

 

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Retour de cours | Les textures 2

De la texture naturelle à la texture imaginaire

 

 

Exercice #1

Les lignes de construction d’un tableau
> Observer de loin le tableau choisi et chercher les lignes de construction de l’oeuvre.
> Tracer au feutre noir épais les trois principales lignes de construction, puis, avec un feutre plus fin, 4 à 6 lignes de construction secondaires.
> Les lignes tracées doivent atteindre le bord de la feuille ou se toucher, de manière à diviser l’espace en plusieurs plages.
> Se demander où le peintre veut « conduire » (consciemment ou inconsciemment) le spectateur et comment il construit son tableau pour atteindre son objectif.

      

Réflexions #1

> Une ligne de tension n’est pas forcément une ligne dessinée ou peinte
> Une suite de bateaux sur la mer peut constituer une ligne de construction importante du tableau.
> Une ligne de tension peut être le prolongement « virtuel » d’une ligne ébauchée. 

Exercice #2

Une composition d’objets divers
> Chercher dans l’assemblage d’objets disposés sur la table comment ceux-ci font écho entre eux (établissent des correspondances) et constituent ainsi une composition, appelée en art « nature morte ».

“On ne voit que ce qu’on regarde.”

Merleau-Ponty

 

Réflexion #2

> Dans la photo extraite de la composition, on observe que

a)  la forme de la fleur de l’orchidée fuchsia correspond à celle de l’orchidée blanche
b)  la couleur fuchsia, présente en petite quantité sur l’orchidée blanche, établit une autre correspondance (un 2e lien) entre les deux fleurs.

> Forme et couleur sont des signes plastiques.
> D’autres signes plastiques (le parallélisme des supports, la répétition des formes) peuvent être relevés et participent également à la composition de la nature morte.

Chaque signe plastique peut être dissocié de l’objet réel et utilisé pour réaliser une composition s’éloignant du figuratif.

 

Exercice #3

C’est quoi une texture ?
> Expliquer le sens général du mot texture et son sens plus particulier en art.
> Chercher quels sont les 3 types de textures que l’on distingue.

Réflexion #3

> La texture désigne l’apparence et l’état d’une surface. L’orchidée, par exemple, a une texture proche de celle du velours.

> On distingue des textures réelles, reproduites ou imaginatives.
> Ajouter une texture à une surface  lui donne de la matérialité.

Artiste en contre-point

Günther Uecker

Cet artiste allemand, né en 1930,  s’est fait particulièrement connaître pour son utilisation de clous et d’épingles
qui donnent à ses travaux une texture naturelle, riche et subtile.

 

Recherches entreprises par Piet Mondrian, 3e partie

(voir également les retours du

Dans sa recherche de l’essence de l’expression plastique. Piet Mondrian a poussé plus loin son travail de stylisation l’arbre pour aboutir peu à peu à des signes plastiques qui acquièrent leur indépendance par rapport à la réalité dont s’inspire l’artiste.

Pommier en fleurs (1912) – Composition en bleu, gris, rose (1913) – Océan (1915)

Exercice #4

Notre perception du monde et les témoignage plastiques et visuels que nous produisons
> Choisir, dans la nature morte disposée sur la table, un élément qui nous intéresse
> Donner trois représentations (images) différentes de l’objet choisi (20 minutes de temps à disposition) :

a) une représentation iconique (eikôn =  image ressemblante),
b) une représentation symbolique (symbol = signe conventionnel pour dé signer quelque chose, p. ex. une colombe pour la paix),
c) une représentation indicielle (indice = trace physique de quelque chose, p. ex. la fumée qui révèle le feu).

              

Entre percevoir et transmettre s’intercale le langage.

Commentaires #4

> Le temps imparti (20 min) permet juste de réaliser des travaux très incomplets, mais qui sont de bonnes amorces à la réflexion et à la discussion.
> La technique choisie est fondamentale. Les plus simples à utiliser sont la photographie pour une reproduction iconique, un feutre noir pour la reproduction symbolique, la matière (fumée, sable, bois) pour laisser des indices.

Réflexion #4

> Nos sens nous permettent de percevoir le monde.
> Notre cerveau, notre intelligence, nos expériences vécues, notre bagage culturel nous conduisent à « réfléchir » le monde.
> Nous transmettons par les arts visuels et plastiques non seulement ce que nous voyons, mais également ce que nous ressentons quand nous percevons notre environnement (au sens large), et comment nous souhaitons agir sur lui.
> Les différents arts sont différents canaux pour « réfléchir » le monde et exprimer notre relation au monde.

Ceci est-il un signe indiciel de la bouteille  ?

Exercice #5

Réalisation de matériel pour un travail futur
> Réaliser des papiers dont la surface est couverte de textures en correspondance avec l’oeuvre d’art choisie.

 

Réflexion #5

> Tout élément répété opère une stylisation et focalise l’attention sur certains aspects ou signes plastiques (formes, couleurs…)
> L’artiste est aussi un chercheur qui peut explorer tous les outils et toutes les technologies lui permettant d’élargir son champ d’action et de faire des découvertes. L’utilisation d’un petit kaléidoscope à 2£ a surpris chacun pour la richesse des effets « textures » obtenus. Sa manipulation a quelque chose de magique.

MERCI de vous intéresser au langage plastique et visuel.

 

Christine Burkhard

 

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Retour de cours | Les textures 1

Voir également les articles du 12 mars, du 22 mars, du 18 avril

 

Au programme de notre prochaine rencontre InsertYou

Les lignes de construction d’un tableau
Quelques règles de composition
Fabrication de ses propres papiers « à texture »
Nouveaux exercices

 

Exercice #1

Décoder l’accrochage de l’exposition de photos d’Eve Mo Yoors
> Quel photo a ma préférence ? Pourquoi ?
> Imaginer les choix de la ou des personnes qui ont décidé de l’accrochage.
> Dériver sur la relation qu’entretient l’oeuvre avec son contexte.

 

Réflexion #1

Les étudiantes ont observé que leurs travaux ne font pas le même effet vus en cours d’exécution ou dans le retour qu’elles lisent sur un écran (ordinateur – tablette – smartphone)
> La manière de présenter une oeuvre est capitale pour sa réception et son sens
> Tout ce qui entre dans le champ visuel du spectateur a une influence sur l’oeuvre : le type de support, sa forme, sa couleur; les autres oeuvres dans le voisinage; les objets et les écrits à proximité…
> Tout ce que le spectateur perçoit par les autres sens que la vue a également une influence : les bruits, les odeurs, la température, le goût en bouche,
> Les relations établies avec les autres personnes dans la pièce importent : les personnes sont-elles connues/inconnues; les relations sont-elles amicales/désagréables; le statut des gens présents est-il hiérarchiques/égalitaires, …?
> L’état physique et psychique de l’observateur a une importance majeure.

Dans la pièce où les étudiantes travaillent leurs oeuvres sont soumises à beaucoup de « bruits ». Photographiées et présentées sur un écran, elles sont isolées de leur contexte et mises en valeur. Encadrer un travail produit un effet similaire.

 

Exercice #2

Observer attentivement, pendant 2 minutes, une oeuvre d’un peintre apprécié
> Reproduire de mémoire, avec des feutres noirs de différentes épaisseurs, les éléments qui permettront de reconnaître l’oeuvre choisie.

 

 

 

Réflexion #2

> Table Solaire de Dali présente des lignes bien marquées (limites de surfaces peintes).
> Les Toits de Callioure de Matisse résulte de coups de pinceau (texture) parfois serrés au point de donner l’illusion d’une ligne.
> Dans les Nymphéas de Monet, les lignes perdent de l’importance au profit de la touche de l’artiste (texture).

Le mot texture désigne de manière générale la qualité de la surface d’une matière :

rugueuse, lisse, molle, dure, râpeuse, spongieuse, granuleuse, douce…

Les artistes ont de nombreux moyens pour travailler la surface de leur œuvre.

La texture peut être réelle (épaisseur de la peinture, éléments ajoutés…), représentée (dessiner des éléments issus de la nature et les répéter…) ou inventée (accumulation de lignes, de motifs géométriques, etc…).

 

Exercice #3

Poursuivre le travail sur les feuilles de persil
> Récolter des objets naturels dans le jardin et en tirer des motifs pour texturer quelques plages restées blanches.
> Veiller à l’équilibre de la composition.
> Photographier le travail en ajoutant les objets naturels.

Réflexion #3

> Bien que tirés de la nature, les motifs se rapprochent fréquemment de formes géométriques.
> L’association du dessin et des techniques photographiques ouvre des perspectives très riches. 

 

Artiste en contre-point

Philippe Robert

 

Exercice #4

> Observe le livre Feuilles d’automne, de Philippe Robert, 1909

Aquarelliste de grand talent, passionné de nature, Philippe Robert a réalisé de splendides planches florales.
Dans son ouvrage « Feuilles d’automne », il stylise de plus en plus la nature, pour réaliser des motifs décoratifs d’une grande finesse et poésie.
Dans ce livre, l’artiste enseigne sa démarche, et propose des règles à suivre dans l’utilisation des divers signes plastiques.

 

« Les premiers éléments de toute évolution vers le Beau ne se trouvent-ils pas,
d’une part dans l’étude de la nature, de l’autre,
dans celle des meilleurs produits des arts industriels? »

Philippe Robert, Feuilles d’automne, 1909

Réflexion #4

Philippe Robert, artiste suisse, estime qu’il a pour mission de développer le sens pour le beau en proposant des objets quotidiens à l’esthétique soignée (vaisselle, tissus, matériaux de construction…). Le début du 20e siècle coincide avec celui du design industriel. A cette époque naissent divers movements artistiques qui souhaitent établir des ponts avec l’industrie, le monde urbain, l’architecture, le quotidien : art nouveau, futurisme, constructivisme, Bauhaus sont quelques exemples.

Exercice #5

Réaliser des papiers à motifs (textures) destinés à des collage futurs
> Utiliser différents feutres, solubles et indélébiles.
> Utiliser différents crayons-aquarelle de couleur.
> Veiller à donner une couleur d’ensemble à la page.
> Diluer avec une large brosse trempée dans l’eau.

 

Merci de vous poser des questions sur le beau.

see art – be an artist – have a great day

Christine

 

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Odyssey | Shoreditch

 

This time, we choose the most obvious neighborhood where to enjoy urban drifting in London : Shoreditch.

Here some pictures captured on the way

 

see art – be an artist – have a great day

Christine

 

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Retour de cours | La ligne no 3

 

3e partie

Voir également les articles du 12 mars et du 22 mars

Au programme de notre prochaine rencontre InsertYou

Les lignes de construction d’un tableau
Réflexions sur un 2e signe graphique : le motif 
Nouveaux exercices
Travail en réponse à l’oeuvre d’art choisie

Exercice #1
> Débattre sur les notions de stylisation et de style (suite à l’ex sur les arbres linéaires)

Réflexion #1
Observer une photo et en extraire quelques signes graphiques choisis (dans notre cas un seul : la ligne), c’est « styliser » ce qu’on voit. Cet exercice révèle la personnalité de celui qui le pratique, dévoile son « style » de dessinateur. 

On distingue
> le style d’un écrivain

> le style en ameublement (photos : Louis XV (18e) et De Stijl (1917-23)
> le style vestimentaire
Ce sont quelques éléments caractéristiques et récurrents (longueur ou rythme des phrases; forme des pieds des meubles, richesse de la décoration; couleurs dominantes, qualité des tissus…) qui révèlent l’auteur de l’oeuvre, l’époque de fabrication du meuble, le goût ou le groupe d’appartenance d’une personne. 

 

Exercice #2
J’aime / J’aime pas
> Etablir deux listes (j’aime/j’aime pas) de manière très rapide, proche de l’écriture automatique.
> Souligner le « sujet » qui nous inspire le plus pour en faire une oeuvre visuelle ou plastique.
> Nommer ensuite son peintre préféré.

Réflexion #2 
> Les listes sont très différentes d’une personne à l’autre.
> Certains artistes sont plus attirés par les sujets « positifs », d’autres préfèrent travailler les aspects sombres de l’existence. 
> Le Zeitgeist influence beaucoup les artistes. Depuis la Renaissance, la peinture européenne s’est de plus en plus détournée du religieux et  depuis, les divers courants explorent une palette très variée d’émotions ou de concepts. 

Dis-moi ce que tu aimes, je te dirai qui tu es

 

Exercice #3
L’oignon jusqu’à nous faire pleurer
> Sur une grande feuille commune, avec des feutres noirs et des fusains de tailles diverses.
> Dessiner des oignons en ne nous servant que de la ligne comme signe graphique.
> Changer fréquemment de position autour de la table. Nous observons les oignons esquissés par d’autres, les complétons, ou ajoutons d’autres éléments : pelures, morceaux coupés…
< Surveiller l’avancée de la composition.

Réflexion #3
On distingue trois types de lignes. 

> celles qui délimitent les formes des objets (fin d’une surface).
> celles que l’on observe sur la surface (pelure) ou dans l’objet (écailles). 
> celles qui naissent du volume de l’objet et qui sont en réalité des changement de luminosité (coupure dans la chair de l’oignon).

 

Exercice #4

Vous reprendrez bien un peu de persil !

 

> Nous observons une feuille de persil et la dessinons au feutre noir, deux ou trois fois, en très grand, sur une feuille A3. Sans nous soucier des lignes qui s’entrecoupent.
> Nous remplissons quelques plages choisies chacune d’un motif différent inspiré du persil.

 

Réflexion #4
> La réalisation de motifs qui proviennent du même objet crée une unité d’ensemble.
> L’épaisseur des feutres utilisés et la densité des traits donnent du caractère à chaque plage.
> La répétition dun motif ou d’un élément est source à la fois de vie (rythme), et d’équilibre (la ressemblance réconforte)

 

Artiste en contre-point

Matisse et la répétition de motifs stylisés

La desserte rouge, 1908, Musée de l’Ermitage

 

Exercice #5
Choisir deux tableaux très différents réalisés par notre artiste préféré. 

 

Merci de vous intéresser à l’art.

see art – be an artist – have a great day

Christine Burkhard

 

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Opening of Eve Mo Yoors’ photo exhibition

Dear Friends, dear All

 

Last Thursday, April 12, the first Opening related to the programme Invited Artists took place.

We were delighted to welcome all the people, friends and unknowns,
who showed much interest in discovering the exceptional photographs of
Eve Mo Yoors,
and maybe were also curious about « c&b ART – London »,
a sparkling art center that opened its door a month ago.

 

 

Many thanks for your support!
Me and Eve enjoyed very much your presence,
your comments, and the great atmosphere at c&b ART-London.

 

See art

Christine Burkhard

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Eve Mo Yoors | My Daily Life is Not Yours | Photo exhibition

Save the date ! 

Eve Mo Yoors | photographer | Switzerland

My Daily Life is Not Yours

Opening April 12th | from 6pm 

April 12th – May 5th | Tuesdays and Fridays | from 5pm to 7pm or on appointment  

Me and you are concerned by EVE MO YOORS’ photographic work


EVE MO YOORS
acts like many of us: she takes pictures and posts them on social networks.

EVE MO YOORS does not act like most of us: she takes very personal pictures and chooses with great attention those she publishes on social networks.

By adding a personal touch to the images she catches in her close environment, EVE MO YOORS aestheticises and poetises her daily life, and thus reveals her inner world.

EVE MO YOORS’ work in progress questions us about the meaning of photography and the place this medium holds in today’s world, where taking pictures seems often synonymous with existing.

EVE MO YOORS lives and works in Switzerland. In a bilingual town set between mountain and  lake : Biel/Bienne. Besides her passion for photography, Eve is also a musician, singing and playing keyboard. She and her drummer are often invited to perform on European stages.

In life as in art, Eve Mo Yoors likes to move herself on frontiers.

Christine Burkhard

 

About my photographs

For almost every moment of my childhood, my dad took a photograph. My mum kept some of them secret and for my 20th birthday she gave me an album made out of family pictures I had never seen before.

It’s part of my daily life and routine to take pictures both of the significant and the insignificant. The only difference with my father’s attitude is that for me the aesthetic of the pictures is as important as the memory itself. My phone gives me the opportunity to capture moments I would never get otherwise. My pictures tell a story, mine. Just as a diary is personal to the writer, my works are unique to me, they tell my story. My daily life isn’t yours.

Eve Mo Yoors, artist

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